miércoles, enero 29, 2003

Vistazo Crítico 28: Arte, cosa seria?



Vistazo Crítico 28: Arte cosa seria?

El siguiente texto, fue publicado incialmente en la revista colombiana Semana version on-line . En él trato de aproximarme con humor e ironía a la convocatoria y posterior exposición "Todo sobre George", que realizó el espacio independiente La Rebeca en Bogota, dirigido por Michèle Faguet quién a su vez co-dirige michica, un espacio on-line bastante interesante de arte contemporaneo que toca lo vanal, y lo intrascendente dentro de la producción del arte contemporáneo, así como se sitúa dentro del movimiento de defensa de los animales. La propuesta de esta convocatoria gira entorno a la "seriedad", según las palabras del crítico y gestor cultural Jaime Cerón y la propia Faguet. Así pues, un tema como este no podia escapar al buen humor de la crítica o mejor, digamos, que el siguiente texto es realizado por humor al arte. R. A-P.

Arte: cosa seria?

"Los artistas crean lo cómico; habiendo estudiado
y reunido los elementos de lo cómico, ellos saben
que tal ser es cómico, y que tal otro no lo es que a condición
de ignorar su naturaleza; así mismo que, por una ley inversa,
el artista no es artista que a condición de ser doble
y de no ignorar ningún fénomeno de su doble naturaleza".
Charles Baudelaire. De l'essence du rire.

Se tiene una idea - equivocada en ocasiones -, que el arte es un asunto de extrema seriedad. Así como en otras ocasiones también, se cree que es pura "mamadera de gallo". La primera idea, nos hace pensar en las obras de arte que hay que ad-mirar, y remirar, con respeto y admiración, bajando la cabeza y casi arrodillándose frente a ellas, imaginando que esa cosa que vemos es algo realmente serio: como lo hacen los espectadores frente a La Monalisa de Leonardo Da Vinci en el museo del Louvre, como si se tratara de un objeto de culto casi religioso, donde el anonadado espectador apenas se atreve a murmurar. La segunda idea nos remite concretamente a la historia del arte del siglo XX. El arte no solamente no es serio, sino que es de mal gusto, decían los dadaistas hace casi un siglo, en clara actitud provocadora frente al arte burgués. El siglo XX se despierta entonces con una gran carcajada de parte de los artistas que hacian "obras" que escapaban a esa seriedad y sobriedad que envolvia la obra de arte. Carcajada que atravezó toda la Modernidad hasta nuestros días: la famosa conferencia de Tristan Tzara por ejemplo, en la que no hubo discurso, sino una acción plástica, donde el artista sacaba de un maletín, una serie de calcetines y los tiraba al aire. Los bigotes de la Monalisa pintados por Dalí y la versión de Duchamp donde con humor el artista se aproxima a la teoría freudiana de considerar que Da Vinci era homosexual y que su "autoretrato" era una manera de travestirse. La fuente (orinal) de Marcel Duchamp, que en realidad era una farsa para burlarse de un jurado de arte, donde él mismo hacia parte. La famosa Mierda de artista de Manzoni, quien en latas de conserva, prentendió enlatar sus propios escrementos. Koons con su famoso y ficticio matrimonio con la actriz porno Ciciolina, de donde surgió una pelicula porno y varias esculturas. En fin la lista sería interminable. Eso nos demuestra que el arte puede ser un divertimento: que en ocasiones está provisto de una clara actitud crítica e irónica, frente así mismo y los mecanismos que le validan, frente a la famosa seriedad del arte.
Hasta ahí todo va bien. El problema surge, cuando aquello que era broma, una burla, un divertimento, pura "mamadera de gallo", se toma en serio. Eso sí que es un problema. Y el problema parece escaparse de las manos de los mismos artistas, cuando estos asumen, lo que en principio era tomadera de pelo, como algo serio. El conocido caso de Duchamp y su fuente-orinal por ejemplo: eso que un principio fue tomadera de pelo, se convirtió nada menos ni nada más, que en el paradigma del arte de la segunda mitad del siglo XX. A tal punto que el mismo Duchamp termino por creerlo. Es decir que él mismo termino convencido que en realidad existe algo de serio en la burla y el humor.
En Bogotá-Colombia, el espacio independiente La Rebeca - dirigido por Michèle Faguet -, decidió "quitarle lo serio" al arte, como lo explicó la propia Faguet en una nota publicada en el diario El Tiempo. Eso significaría que en Bogotá hay arte sério. Pero bueno, para no perdernos en meandros especulativos de lo que es considerado como serio y aquello que no lo es en el arte capitalino, sigamos. Entonces, para poder quitarle seriedad al arte: se hizo una convocatoria abierta donde el tema fue "Todo sobre George", donde el nombre alude, no al gringo (mamerto!), sino al perrito de Faguet, que convivió "con artistas emergentes de México y Colombia", como según se especificó en la convocatoria. Digo convivió, pues según lo publicado en la pagina web de La Rebeca, parece ser que al pobre lo atropelló una buseta antes del día de la inauguración de la exposición. Esto a los ojos de profanos puede ser tomado como algo que escapa a lo "tradicional", no me refiero a la muerte del perro claro está, echo muy común en las calles de Bogotá, sino la exposición en si. Cómo? Hacer una convocatoria artística alrededor de un perro? Qué es esto? Podrán preguntarse algunos sorprendidos y quizá indignados. Lo que si es cierto es que algunos artistas se tomaron la cosa en serio y participaron en la famosa convocatoria que se abrió al público en estos días, en la galeria Valenzuela & Klener, quién presta su espacio para que La Rebeca funcione. Hasta la misma Faguet parece haberse tomado en serio la cosa, pero, por qué no si Duchamp también lo hizo? No hay que sorprenderse, pues aunque este mecanismo algo dadaista, por su forma más que por su contenido, y por ende extremadamente moderno, aun parece seguir teniendo sentido en el contexto bogotano. Y además, por qué no un perro (George), como objeto y sujeto artístico? Michèle Faguet, lo sabe mejor que nadie, pues de donde ella viene, l'égalité, la liberté et la fraternité, son tan vastos que también cubren a los animales en especial a los perros: cementerios para perros, asociaciones como la de Brigitte Bardot, que les defienden de los abusos de sus amos; moto-aspiradoras, para recoger sus generosas ofrendas escatológicas, que por cierto, cuando las moto-crottes, no pasan, el pobre transeúnte se ve en serios aprietos. Enfin por qué no un perro como objeto de arte, si despierta tantas elucubraciones? Pues como dijo el crítico Jaime Cerón, que alguien dijo: George " es un individuo mexicano, de pequeña estatura, piel oscura y baja alcurnia", razgos estos, segun Cerón, que se han convertido en cliché de lo latinoamericano en el contexto internacional. Además, no hay que olvidarlo, los perros han sido protagonistas de nuestro imaginario colectivo alimentado gracias a Hollywood: basta con recordar a Rintintín, Lasi y a Bengi claro está, sin olvidar a Laica la perra astronauta entre otros. Entonces, por qué no George como "aglutinante" de la producción de artistas emergentes? En este caso se cumple a cabalidad lo del dicho popular "el perro el mejor amigo del hombre" ( y el de la mujer claro está para dar gusto a las feministas), y al parecer de los artistas. Y al que le gustan los gatos? Me pregunto mientras mi gata me mira inquisidoramente... pues bien, eso es otro asunto, pues en cuestión de gustos no hay disgustos y valga la pena decirlo: asi sucede en el mundo mundibulo del arte.
Pero que a nadie le quede la menor duda, que los artistas, gestores culturales y críticos, también se divierten, pues quién dijo que el arte es cosa seria, y aburridora, sobre todo en un país en guerra como Colombia, donde la miseria es enorme y la corrupción también lo es? George qué perrada!

Nota bene: espero que mis amigos de Bogotá, no se tomen tan en serio este vistazo crítico.

Ricardo Arcos-Palma
Paris, 29 de enero del 2003. Archivo vistazos críticos

viernes, enero 17, 2003

Vistazo Crítico 27: Paul Virilio y "lo que acontence".

Vistazo Critico 27: Paul Virilio y "Lo que acontece".
 
El urbanista y filosofo Paul Virilio, es más conocido por su tenaz crítica de la tecnología. Algunos piensan que es un viejo cascarrabias, que no ha entendido nada del progreso. Aunque valga la pena decir algo: pensar  en contra no significa una mera oposición sino más bien, pensar a profundidad. En fin, él no se "opone" a los adenlantos técnologicos, como algunos quieren mostrar para invalidar su posición, por el contrario él intenta poner en evidencia los peligros de la ciencia. Una posición ética la que asume este "hijo de la guerra" francés, como él se autodenomina. Hablamos de Ética, pues sabemos que es más importante, saber que hacemos con lo que hemos hecho, propio del ethos, y no solamente consolarnos con un saber hacer, propio de la tékné.

Por estos días, esta abierta al público la exposición Ce qui arrive (Lo que sucede) organizada por Paul Virilio en la Fondation Cartier. El objetivo de esta muestra es "exponer el accidente", como un préambulo para el Museo del Accidente. Virilio insiste que si existen Museos de Guerra, por qué no uno consagrado al accidente? Asi quiza podamos un día evitarlos, dice él. Los artistas, arquitectos y cineastas invitados a esta muestra son: Svetlana Alexievitch, Dominic Angereme, Jem Cohen, Bruce Conner, Cai Guo-Qiang, Peter Hutton, Jonas Mekas, Aernout Mik, Tony Ourler, Artavazd A. Pelechian, Nancy Rubins, Wolfang Staehle, Moira Tierney, Andrei Ujica, Stephen Vitiello, Lebbeus Woods et Alexis Rochas.


Labbeus Woods y Alexis Rochas La Chute 2002.

Obras que se destacan son las de la del arquitecto Lebbeus Woods quien en colaboración con Alexis Rocha, realiza La chute (2002). Un amontonamiento de estructuras de metal (aluminio) crean una nueva imagen: los descombros, la ruina, luego de un desplomamiento. Cabe anotar que Woods ha trabajado desde hace años en sitios donde la ruina y el deterioro es una constante, ya sea por catastrofes naturales  y humanas como en Sarajevo (guerra) y en la Habana (embargo). No es en vano crear un paralelo entre esta obra a la del joven arquitecto-artista cubano Carlos Garaicoa, quien trabaja también desde la misma óptica. La obra de Woods, nos hace pensar en la famosa frase de Marx "Todo lo solido se desvanece en el aire". La civilizacion se ha construido sobre ruinas, y la ruina sigue siendo el pilar de nuevas construcciones. La caída nos lleva a posteriori del accidente, cuando todo ha pasado y no que nada mas que los descombros. Asistimos un presente que nos hablo de algo que paso, que sucedió, el accidente. No olvidemos que accidens (latín) quiere decir lo que acontece.

Nancy Rubins MoMa & Airplane Parts. 1995-2002.

Otra obra que sobresale no tanto por tu tamaño impresionante (forma) sino también por lo que propone (contenido) es la de Nancy Rubins. MoMa & Airplane parts at the Fondation Cartier (1995-2002), nos confronta con una enorme estructura de metal, que a diferencia de la de Woods, parece haber quedado en suspenso segundos antes de caer. Efectivamente, con despojos de un avión accidentado, Rubins recrea la caída, de algo que instantes antes volaba. No importa saber porqué, este "avión" llega a ese estado, lo que sorprende es ver como esa cosa construida por el hombre, puede caernos en la cabeza: el espectador se ve subyagado por ese montón de chatarra que flota en el aire. Esta obra así como la de Woods están incluidas dentro de El instante de la caída, uno los capítulos de la exposición.

Dentro del otro capitulo de la muestra La cantidad desconocida, encontramos una serie de imágenes sonoras tomadas de vídeos experimentales, reportages, archivos, cine, noticieros consagradas al accidente. El conocido cineasta armeniano Artavazd Pelechian con Notre Siècle (1990), nos muestra el sueño de Icaro materializado en la conquista del espacio. En esta magnifica película en blanco y negro, realizada con imagenes de archivo rusos, vemos como el ser humano en esa alocada carrera de la conquista del espacio, se asemeja a Icaro, quien ebrio de luz (alucinado) se acerca con peligrosidad al sol (Apolo, el dios del conocimiento), hasta quemarsele las alas. Allí se vive la angustia del astronauta que se enfrenta a la muerte o la gloria postuma. en los dos casos la muerte le espera al final del camino.


Tony Ourler Nine-Eleven, 2001.

Tony Oursler con su obra Nine-Eleven (2001), nos muestra un video realizado en el instante mismo de los "atentados" de la torres de New York. Aquí vemos como la angustia de alguien que vive no lejos del lugar, ve desplomarse esas inmensas torres frente a sus ojos. En realidad este video es un testimonio de una de las primeras personas que filmaron esa tragedia. Lo que nos comnueve es que esa persona normalmente trabajaba en el piso 76 de una de las torres, y ese día no fue a trabajar. Es como ser testigo de su propia muerte, estando aun en vida.

Aqui me acuerdo de las palabras de Virilio cuando hacía referencia a esta catástrofe: "es una tragedia -dice él- que pudo evitarse, pues pese al impacto de los dos aviones, las torres si hubiesen estado bien construidas no se hubiesen desplomado, y si se hubiese impedido el sobrevuelo de una zona altamente construida como la de Manhattan. Pero como todos los accidentes, nos damos cuenta demasiado tarde como en Tchernobyl donde la central nuclear exploto, con las consecuencias que sabemos."

Asi una vez mas, Paul Virilio nos presenta una mundo nada alentador, lleno de explosiones, de derrumbamientos, algo apocalíptico; quizá sea su lado cristiano, pero lo que es cierto es que el mundo en el que vivimos, la tecnocracia lleva al progreso a las mas peligrosos descubrimientos, a un precio enorme, como los de la clonación, el vientre aritificial entre otros. Una vez más, no es a la ciencia a la que hay que temerle, ni a los adelantos científicos, es al uso que de ellos el ser humano hace, que en la mayoría de los casos son nefastos. Esa es la idea de Virilio, quizá difícil de compartir, pero difícil de ignorar.

Ricardo Arcos-Palma.
París, 17 de enero del 2003.

martes, enero 14, 2003

Vistazo Crítico 26: De la representación a la acción.


Vistazo Critico 26: De la representacion a la accion.

El titulo de este vistazo crítico hace referencia a la exposición curada por María Inés Rodriguez, abierta al público en dos lugares : Le Plateau (Paris), y Mains d'Oeuvre (Saint-Ouen). Un título bastante ambicioso, pues pone en la escena, el problema que ha atravesado todo el arte, desde finales del siglo XIX, hasta nuestros días. Proyecto ambicioso que no alcanza su mayor desarrollo, por falta de un soporte conceptual claro. Sin embargo, este "detalle", no le quita importancia, a tan importante exposición. Importante, no porque alcance un nivel de excelencia como propuesta curativa, sino porque abre un espacio donde se puede confrontar parte del arte latinoamericano (Mexico y Colombia) con el arte europeo, (Suiza, España y Francia, Austria). El cuerpo está en el centro de la exposición, como eje temático. Pero lo que sorprende en esta exposición es que el cuerpo esta oculto, maquillado, por el plano representativo. Es decir, pese al intento de escapar a la representación, la ausencia del cuerpo, nos lleva una vez más a la representación de él. Cierto, interesante el planteamiento de considerar el espacio como una prolongación del cuerpo...pero el cuerpo es el cuerpo. Si se hace referencia al cuerpo es más por su ausencia que su por su presencia y ne este sentido la acción queda en veremos.

Es así como nos encontramos con artistas como: Pablo León de la Barra (México) quien con su obra Chambre d'ado (2002), redacta el espacio como una gran pieza de adolescente, donde, una gran alfombra de colores pasteles, y olor a chicle, junto con revistas  Multiples/Papers, seleccionadas por Jean Lingaard. Mientras una banda sonora  Corps Sonore, de Manuel Jaramillo et Andrea Echeverri (grupo musical Los Aterciopelados de Colombia), ambienta el espacio. Johanna Calle (Colombia), con sus dibujos Preparatoria (2001-02), nos muestra los niños y jóvenes, maltratados por la violencia, familiar y colectiva a nivel social, donde esta franja de la población se convierte en víctima de un conflicto que le es ajeno. Elke Krystufek (Austria), y su obra L'arène de Milan (2001) nos lleva hacia una obra donde el artista se desnuda, fragmentado su cuerpo, con imágenes, fotográficas, pictóricas y de vídeo, donde el hecho de exhibirse, se transforma en una obsesión. El artista se exhibe en su desnudez, acercándose a la pornografía. Obra interesante porque pone en evidencia el límite de lo privado y lo público.

Fabrice Gygi (Suiza) trabaja con una serie de 12 sellos una obra multiple donde el texto, adquiere un símbolo estético: Private Satamps (1991-1999), es el resultado de una acción plástica. Juan Fernando Herrán (Colombia), expone un vídeo resultado de una accion Untitled(grass piece) (1993), donde un primer plano nos muestra al artista comiendo hierba, hasta que forma una bola que exhibe en sus manos. Si los animales comen hierba por que no el hombre? parece ser este el cuestionamiento de su obra. María Angélica Medina (Colombia) con Avant (2002), nos muestra dos fotografías donde la vemos a ella en dos periodos distintos de su vida posando como modelo. Charlote von Poehl (Suecia), con la instalación 4000 Newton (2002) ella juega con el espacio esparciendo minusiosamente por el suelo, una serie de cilindros de pequeño tamaño, realizados en plastilina. Giovanni Vargas (Colombia), realiza la obra Craft (1999-2001), donde con pelos de perro él realiza una serie de dibujos. Helena Producciones (Colombia), expone varios vídeos de su Festival de Performance en Cali y fotografías; donde el trabajo con el cuerpo ha sido un eje fundamental. Pilar Echezarreta (España), con Folklorico Ay! Tech (2002) construye nuevas arquitecturas, donde el concepto de lo blando, elabora otro tipo de relaciones corporales con el espacio.

Andrea Crews (France), personaje imaginario crea una agencia que lleva su nombre. Ella funciona gracias a la colaboración de varios creadores como Maroussia Rebecq, Miriam Foufana, Osvaldo Costas. Wilson Diaz (Colombia) el artista más importante de la exposición por la seriedad con que enfrenta su obra. Vientre (1999-2002), es una obra proyecto donde le artista ingiere (?) un número de semillas de coca, para ser llevados a otro territorio. Práctica que los traficantes de droga, utilizan con frecuencia. Lo interesante de esta obra-proyecto, es que Díaz cuestiona no solamente el hecho de tranformar el cuerpo en recipiente-maleta, "mula", sino que toca problema de trasportar no el alcaloide (cocaina) sino la semilla de la plata de coca. Qué sucede si esas semillas, en otro territorio, germinan luego de ser defecadas y plantadas por el artista? Imaginemos por un instante el sur de Francia o de los Estados Unidos, lleno de campos de coca. Eso implicaría una inversión radical del problema: ya no serían nuestros campos en Colombia, Bolivia o Perú los  que serían fumigados, ni bombardeados...Evidentemente esto es una fabulación, pero de ahí se desprende la importancia de esta obra, que toca de cerca, un problema real.  Diaz, nos ha demostrado ya con su obra critica (Fallas de origen), donde lo social se transparenta con facilidad. Sin tomar posiciones radicales, él nos muestra siempre un lado de la realidad. Como cuando fue invitado a exponer en el Musée d'art Modern de París: durante la noche del Vernissage, Diaz, realizó una acción paralela a su obra Fallas de Origen, pasando la noche en uno de los portales del Museo, como un indigente, como un sdf. Wilson Díaz está invitado por la asociación Mains d'Oeuvres en Saint-Ouen , con el programa de residencias artisticas. Alli, él mantiene una plataforma de televisión que surgio en Cali, como televisión alternativa, donde la labor cultural es el hilo conductor.
 Enfin, De la Representacion a l'acción, queda en deuda por la falta de acción misma, la cual se ve, atrapada, paradójicamete por el plano representativo.

Ricardo Arcos-Palma.
París, 14 de enero del 2003.

Vistazos Críticos Audiovisuales cumple 7 años

Los cumpleaños no siempre son dignos de celebrarse, pero el proyecto de Vistazos Críticos Audiovisuales cumple ya siete años de existen...