miércoles, octubre 24, 2012

Jacques Rancière en Colombia.


Jacques Rancière en Colombia: 29, 30 y 31 de octubre del 2012.

Esta V versión de la Cátedra Franco-Colombiana de Altos Estudios se desarrollará bajo el tema: Estética, Arte y Sociedad: Homenaje a Jacques Rancière, la cual contará con la presencia del filósofo quien ha iniciado una gira por Chile, Argentina, Brasil y Colombia. El filósofo ha sido invitado por el coordinador académico de la cátedra a pensar temas cruciales de su obra como lo es el problema de la emancipación y el problema de la modernidad.

El comité científico de esta cátedra conformado por los profesores Elkin Rubiano, Daniel García, Alejandro Molano (Universidad Jorge Tadeo Lozano), Santiago Niño (Universidad Francisco José de Caldas) y Ricardo Arcos-Palma (Universidad Nacional de Colombia) tienen a su cargo la logística y coordinación académica del evento así como un coloquio que recoge las mejores ponencias recibidas. Esta cátedra cuenta con el apoyo de la Univesidad Jorge Tadeo Lozano, La Universidad Distrital Francisco José de Caldas, la Universidad Nacional de Colombia y la Sociedad Colombiana de Filosofía. Canal Capital cubrirá el seminario y particularmente la última sesión para inaugurar su programa Diálogos.

Conferencias de Rancière:
Lunes 29 de octubre: ¿Pasó ya el tiempo de la emancipación?
Lugar: Auditorio Teresa Cuervo del Museo Nacional de Colombia.
Hora: 11-1 p.m.

Martes 30 de octubre: La Modernidad estética: una noción por repensar
Lugar: Auditorio Fabio Lozano de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.
Hora: 2:30- 5 p.m.

Miércoles 31 de octubre: Diálogo con Jacques Rancière: con los profesores Miguel Angel Herrera y Ricardo Arcos-Palma.
Lugar: Auditorio Camilo Torres, Facultad de Derecho de la Universidad Nacional de Colombia.
Hora: 2-5 p.m.
 La entrada al evento es libre sin necesidad de previa inscripción y según capacidad de cada auditorio.

Coloquio en torno a la obra de Jacques Rancière:
Martes 30 de octubre, salones 407 y 702 del módulo 7a de la Universidad Jorge Tadeo Lozano.

Hora y lugar
Nombre de ponente
Universidad
Título
9:00-9:45 a.m., aula 702 módulo 7 A
Laura Quintana Porras
Universidad de Los Andes
Repensar la relación entre institución y subjetivación política: una aproximación desde Jacques Rancière

9:45-10:30 a.m., aula 702 módulo 7 A
Mario Alejandro Molano
Universidad Jorge Tadeo Lozano
Desafíos para una teoría del arte: experiencia estética, institución y función social
11:00 a 11:45 a.m., aula 702 módulo 7 A
Mauricio Márquez

Universidad Javeriana, Universidad Autónoma de Barcelona.
La caída del régimen del Arte.
11:45 a 12:30 m., aula 702 módulo 7 A
Carlos Manrique
Universidad de Los Andes
Escritura, cuerpo, y acción: apuntes sobre la relación entre literatura y política en Derrida, Ranciére y César Vallejo


Hora y lugar
Nombre de ponente
Universidad
Título
9:00-9:45 a.m., aula 407 módulo 7 A
Diego Paredes
Universidad Nacional
“Una clase que no es una clase”. El proletario según Jacques Rancière y Karl Marx
9:45-10:30 a.m., aula 407 módulo 7 A
María Cristina Sánchez León
Universidad Nacional
Lo que puede una multitud
11:00 a 11:45 a.m., aula 407 módulo 7 A
Alejandro García
Universidad de Los Andes
Hacia una acción política sin nosotros político: Jacques Rancière acerca de la acción política de la literatura.
11:45 a 12:30 m., aula 407 módulo 7 A
Carlos Salazar Arenas

Universidad Jorge Tadeo Lozano
La obra Óscar Muñoz desde El espectador emancipado de Jacques Rancière

Agradecimientos especiales al Dr.  Álvaro Corral (Decano Facultad de Humanidades de la UJTL y Presidente de la SCF), Elizabeth Garavito (Decana de la Facultad de Artes de la ASAB-Distrital) Santiago Niño (Director de la Maestría en Estudios Artísticos de la ASAB-UDFJC), Elkin Rubiano, Alejandro Molano y Daniel García (Profesores de la UJTL), Miguel Ángel Herrera (profesor UN), Hollman Morris (Gerente de Canal Capital), Ricardo Arcos-Palma (Profesor U.N. y coordinador de la Cátedra Franco-Colombiana), a los colegas de Chile, Argentina y Brasil que colaboraron con la presencia del filósofo francés y por supuesto a Jacques Rancière por su generosidad y disponibilidad para venir a Colombia.

Diálogos con Jacques Rancière por Canal Capital:


lunes, octubre 15, 2012

Vistazo Crítico 110: Encuentro Internacional de Arte Performance RIAP 2012.



Rencontre Internationale d’Art Performance
 RIAP 2012 de Québec.

Le RIAP evento existe desde hace unos treinta años y es liderado por el grupo de la Revue Inter Art Actuel y Le Lieu, centro de arte contemporáneo independiente. En él han confluido artistas como Marina Abramovich y ORLAN entre otros destacados de la historia del performance. Esta versión, está liderada por uno de los fundadores Richard Martel artista del arte acción de Québec y un equipo curatorial conformado por Clemente Padín, Michaël La Chance y Constanza Camelo.

Colectivo Plotes: Maude Veilleux, Geneviève Robitaille y Marie-Andrée Godin.

Colectivo Plotes: Marie-Andrée Godin y Geneviève Robitaille. Fotos: Francis O'Shaughnessy.


Por Quebec el Colectivo PLOTES, conformado por Marie-Andrée Godin, Maude Veilleux y Geneviève Robitaille, realizaron una acción que se inscribe dentro una corriente feminista. Varios gestos que aluden al juego se realizan con cierta dificultad al estar las tres integrantes del colectivo, atadas por unas cuerdas. De otra parte Christian Messier, Sarah Smith y Guillaume Adjutor-Provost fueron los más relevantes dentro de las acciones individuales. El primero realizó una serie de acciones con fuego, donde intentó prender fuego a su camisa con la ayuda de un encendedor mientras la luz del reciento estaba apagada. La tensión entre el público y aquél que aparecía esporádicamente gracias a la luz del encendedor, generaba una extraña contradicción donde el deseo de ver, se ve reprimido por el temor a ver quemarse el cuerpo. Una obra que bien podría resumirse por el deseo de ver y el temor a ver.

 Sarah Smith

La joven Sarah Smith realiza una sutil pero contundente acción, donde la condición femenina se ve cuestionada por al figura de la novia: ella vestida de pantalón rojo se pone unos zapatos de tacón y un velo de novia… sostiene en sus manos estiradas a manera de cruz, unas bolsas de tela muy pesadas llena de harina o cal blanca.  Luego ella se amordaza las piernas creando una extraña postura y comienza a caminar de esa manera atravesando la plaza pública donde realizaba la acción. Esta obra más allá de ser bella es contundente por la fuerza física que despliega y las tensiones que genera en el público. Pero hasta aquí es una interpretación mía; hablando con ella, ella afirma que mi interpretación es válida e insiste en lo siguiente:

"Durante este performance, je deseaba estar en confrontación a una posición que hacía mi desplazamiento difícil cuando yo atravesaba la plaza. Cuando yo llegué a un estrado, yo me liberé destruyendo el peso, que yo había tirado de manera violenta, creando una nube de polvo blanco. Mi interés radica sobre todo en la imagen de un performance. Yo trabajo ante todo la composición de las formas, el movimiento, y los objetos en el performance, antes de atribuirles una significación"


Guillaume Adjutor-Provost.

Guillaume Adjutor-Provost,  vestido impecablemente de negro, transforma su cuerpo en una especie de autómata: pegando sobre cuerpo una serie de cuadros negros de diferentes tamaños, este se transforma en una silueta-protésica que insiste en una cierta plasticidad algo rara en este tipo de acciones plásticas. Su cuerpo se transforma en una especie de coraza similar a la que utilizan los expertos en anti-explosivos.

Julia Fernández Sánchez "Castración".

Por España están Julia Isabel Fernández Sánchez, quien realizó una acción en el espacio público nocturno, titulada “Castración”, está vestida completamente de negro hasta su rostro y armada de un cuchillo. Dos naranjas exageraban las formas de su cuerpo: una dispuesta a la altura de su sexo y otra sobre uno de sus senos. Ella ofrecía una rodaja  de su sexo-naranja cortada con el chuchillo que algunos comían. La referencia a uno de los símbolos culturales y comerciales de España, la naranja, es detonante de una reflexión sobre la situación política y económica; la postura feminista es bastante fuerte.
Julia Fernández. Castración. Foto: Mariana Picart Motuzas. 

La artista se refiere a su acción en estos términos: “El individuo social desde que nace, es modelado mediante la educación (normas sociales). Todo "ser social", debe actuar siguiendo unos patrones de comportamiento, estos son determinados y aceptados por un núcleo social, ubicado en un tiempo y espacio concreto. Pretendo denunciar la castración amable que se lleva a cabo en cada individuo en función de , por y para "lo social" (sociedad), tanto a nivel intelectual, emocional y visceral. Son tres las naranjas que utilizo en mi acción. Colocada en la cabeza, sobre corazón y pubis. Me gusta interactuar con la participación de la gente. Me gusta hacer trabajos en los que el público no sea un mero espectador, la pieza sin ellos no se completa ni tiene sentido. Todos formamos parte de pieza y le damos forma.”


Ángela García. Fotos: Francis O'Shaughnessy.

Ángela García, vestida como una oficinista realizó una performance donde el leguaje y la comida son su esencia: la artista sentada frente a una mesa servida, devora una sopa de letras cruda, tratando de hablar con la boca llena. Ella escribe en un muro el significado de la palabra “Voltear” y con una serie de platos de cerámica que comienza a hacer girar sobre el suelo hasta que se rompen entre sí, haciendo participar a los asistentes. Esta acción también va encaminada a cuestionar la situación y premura económica de su país.

Los Torreznos. Fotos: Francis O'Shaughnessy.

Los Torreznos, es una pareja de artistas de gran recorrido internacional (Jaime Vallaure y Rafael Lamata) que vienen trabajando desde hace años; ellos en una perfecta puesta en escena se sentaban uno al lado del otro, vestidos impecablemente y, como si estuviesen realizando una competencia de automóviles simulan el sonido de motores con sus bocas mientras avanzan poco a poco hacia el público y luego retroceden hasta quitar la escena.

Álvaro Terrones. Just One Little Girl - The Four Aces. Francis O'Shaughnessy.

Álvaro Terrones, con humor realiza una acción donde se dirige con bastante sigilo a una silla roja que se encuentra frente a él y donde reposa un pequeño pastel. Simula una corona realizada con una reglilla plegable que pone sobre su cabeza; luego camina lentamente y un pito de juguete en sus zapatos lo delata. Al final, cuando se acerca a la silla, un jugoso bocado deja el pastel a medio devorar y vuelve de nuevo a la pared. El título de la acción es Just One Little Girl - The Four Aces. “La idea de la acción –nos dice el artista-, se basa en la medición y el factor de impacto (medida de la importancia de publicaciones de contenido científico) El proceso desemboca en un objetivo focalizado (tarta) y en su robo. El tránsito hacia dicho objetivo es tremendamente imprevisible y sin credibilidad alguna (el caminar hacia el objetivo es ruidoso, torpe y escandaloso). Se trata de una acción cuyo proceso es más interesante que la motivación del objetivo alcanzado.”

Héctor Bardanca. 

La selección de Uruguay fue representada por Héctor Bardanca, quien influenciado fuertemente por la poesía sonora, realiza una acción en diferentes niveles que confronta la razón y la sinrazón. Su acción deviene rápidamente un happening donde el público participa instando por el artista y la proyección-vídeo es un elemento plástico fundamental. Él escribe en el suelo algunas letras con tierra y harina y luego utiliza algunos asistentes para que con sus cuerpos escriban otra letra.

Jesusa Delbardo. Foto: Francis O'Shaughnessy.

Jesusa Delbardo realizó una performance con vídeo, donde vemos una silla blanca de madera, perforada por la artista con un taladro. Invitando al público a enunciar cualquier frase la artista repetía la frase perforando la silla. Debajo de la silla, de una manera muy discreta había una replica en menor escala e igualmente pintada de blanco. La acción termina con la silla, atada a su cuerpo saliendo de la escena. En la pantalla encontramos la réplica en pequeña escala de la silla con los restos de aserrín.

Jesusa Delbardo. Foto: Francis O'Shaughnessy.

La artista dice lo siguiente sobre su obra: “Mi trabajo es un laboratorio. El que quiere saber hasta donde puedo decir la verdad; es un entrenamiento PERSONAL hacia la sinceridad, apoyado también en la investigación de qué está pensando la gente y cuales son las cosas que dicen y se permiten decir EN ESE LUGAR ESPECíFICO ( Quebec); hasta donde están dispuestos a decir su verdad y hasta cuando van a seleccionar lo que un otro (todos) escuchen, dejando al descubierto una posible interpretación de quienes son. Animarse a decir y también a ser escuchado, tener el momento público en donde uno se deja casi sin filtro, sin paisaje intermedio entre lo pensado (ése era el plan para mi), y el sonido que esas palabras evocan en el otro. SONIDO: cada vez que se presenta un pensamiento, se hace un agujero con un taladro en una silla. Blanca, inmaculada, se repite la palabra por todo el rato que el taladro demora en agujerear esta silla. Silla que hace de sombra y de protección de una idéntica, pero más pequeña. Pero esta protección, tiene un costo, y el costo es dejar el polvillo que de esos pensamientos, de esa acción y de ese sonido se desprenden en la pequeña sillita, posible holograma a menor escala de la misma silla grande, que deja planteada la repercusión en otras dimensiones de la misma acción. (…) Los rastros de aserrín son quienes ahora hablan, ellos y todo lo que allí quedó material e inmaterial.”


Juan 'Angel Italiano. "Memorial". Foto: Arcos-Palma.

Juan Ángel Italiano, insiste en rescatar la memoria histórica sobre la época de la dictadura en su país y por supuesto en el cono sur, en la década de los años setenta y ochenta. Fotos de desaparecidos, proyección de esos rostros, frases como “dónde están ellos” que el artista pega en las frentes de algunos asistentes y un mapa del continente realizado con graffitti donde él pega palabras que aluden a la libertad, la igualdad y la fraternidad. Velas, carros y soldados de juguetes acentúan un cierto dramatismo a la acción. Su obra indudablemente insiste en la relación arte y política.

“En "Memorial" –nos dice el artista-, se busca que el espectador se cuestione y replantee la noción de "desaparición forzada" Sin palabras, a través de pequeñas acciones, la ausencia del cuerpo del otro y el respeto por el mismo, son el eje de la performance. Más que una teatralización, la acción se acerca al ritual, la memoria como herramienta viva. La información contrapuesta al espectáculo.”


Mariana Picart Motuzas. Foto: Arcos-Palma.

Finalmente Mariana Picart Motuzas, quien desde una perspectiva de la anti-psiquiatría, realiza un acción donde el cuerpo desnudado y el lenguaje se ven confrontado a la “creencia”: “¿tu crees?, ¿yo creo?, ¿ustedes  creen?” son frases que la artista repite una y otra vez y donde el público termina respondiendo afirmativa o negativamente. Rapidamente su acción individual se torna un happening.  



Colectivo Alias Black Marquet. Foto: Francis O'Shaughnessy.

Por Francia el colectivo femenino Alias Black Marquet (Marie-Laurence Hocrelle, Lucie Marcadel y Léa Le Bricomte) que parodian el grupo que tiene este nombre realizan una performance donde la feminidad se ve confrontada a objetos de la vida cotidiana: una de ellas Léa Le Bricomte, hace equilibrio sobre vasos llenos de agua calzada de zapatos con tacones mientras Lucie Mercadal “dialoga” difícilmente con un colchón que mueve de un lado al otro de la sala o toma una escoba para barrer.

Nadia Granados: Foto: Arcos-Palma.

Por Colombia, país invitado de honor Nadia Granados representante del porno-terrorismo en América Latina; en su trabajo la condición crítica sobre el cuerpo femenino como objeto de consumo, lograr mezclar imágenes publicitarias de tinte político, música y gestos propios del mundo de la prostitución donde arte, política y ética son la esencia de su propuesta. “La Fulminante” se apoya en proyecciones vídeo que mezclan se promiscuamente con su cuerpo, donde vemos frases como “la bella rebelión”. Activismo político, pornografía y accionismo logran crear una obra que genera atracción y rechazo al mismo tiempo.

Fernando Pertuz Villa, quien es uno de los máximos representantes de lo que he llamado “la generación de los noventa” y quien lidera un movimiento llamado Performance Art Net, realiza una acción titulada “250 mil seres humanos”, donde la lectura de miles de nombres de personajes desaparecidos por muertes violentas. La lista de estos nombres son quemados por la llama de una vela y sus cenizas depositados en una urna de cristal. La acción se transmite en directo por la red y tiene una duración de 8 horas diarias. Esta obra se inscribe dentro de una línea muy clara para el artista de activismo político. Los nombre proferidos han sido nombrados una y otra vez en otras acciones como Bandera. Pertuz es uno de esos artistas que logra seguir trabajando sobre la difícil articulación entre arte y política.


Fernando Pertuz. 250 mil seres humanos. Foto: Arcos-Palma

Rosemberg Sandoval, presentó un par de acciones que hacen referencia al desplazamiento violento y a la guerra: con unas botas pertenecientes a un soldado canadiense muerto en la Guerra del Golfo, el artista escribe sobre la pared una frase de Tiro Fijo en lodo que alude al conflicto armado en Colombia. Sus acciones que fueron muy rápidas, se antecedieron a un explicación que él hizo. De una falsa pared de madera: el artista con un golpe abre una pequeña puerta que deja salir su puño que contiene una delicada construcción que contiene una casa realizada con granos de arroz. La casa de destruye con fuerza al cerrarse de nuevo la mano sobre ella. La metáfora de la violencia aquí es muy fuerte. Esta acción pasó algo desapercibida dado a que el artista no hubo un dispositivo que transmitiera la acción en gran formato pues la casita de arroz no todos podía verla. Esto le quitó algo de fuerza al trabajo del artista, quien goza de una gran reputación internacional.


Rosemberg Sandoval: Foto: Arcos-Palma.


Carlos Monroy. Foto: Arcos-Palma.

Carlos Monroy quien realiza tres cortas acciones donde la reflexión sobre lo que significa el arribismo y la notoriedad; él asume la condición de un atleta, de un chippendale donde éxito, exhibicionismo y fama, se mezclan insistiendo sobre la condición del artista. Un punto débil en su obra fue el exceso de presencia en todas las acciones plásticas, donde ya no se distinguía donde comenzaba su obra o donde terminaba.

Edwin Miguel Jimeno. Propiedad de Estado.

Edwin Miguel Jimeno, quien no pudo asistir pues el servicio migratorio canadiense le negó la visa, desconociendo que el artista es docente de una prestigiosa universidad pública en Colombia y apoyado en el cliché que Santa Marta-Colombia es considerada zona sensible; él envío un par de videos de sus acciones anteriores, donde por ejemplo el artista se hace marcar por un soldado, la espalda con hierro candente una frase que dice “Propiedad del estado”. Esta obra es bastante fuerte teniendo en cuenta que un país un guerra como el nuestro y donde el servicio militar es obligatorio, la propiedad sobre los ciudadanos y sus cuerpos hacen de ellos: carne de cañón. No quisiera pensar que fue por este tipo de obras que su visa fue negada, pero todo es posible.

El encuentro teórico realizó un diagnóstico del performance: Juan Ángel Italiano artista participante habló del “Performance y arte acción en Uruguay: 1961-1985”; Mariana Picart Motuzas presentó su investigación sobre “Arte acción: Problemas éticos, estéticos y socio-políticos”; sus intervenciones se pueden escuchar aquí; y el invitado de honor, quien escribe sobre este evento, habló sobre: “Dos décadas de performance en Colombia: 1990-2010”, situación del arte acción en Colombia que se puede escuchar aquí

versión resumida publicada en el Periódico ARTERIA : 
http://www.periodicoarteria.com/descargas/pdfs_periodicos/Arteria35.pdf 

versión vídeo por Camera Libre:


Ricardo Arcos-Palma.
Québec, La Paz, Bogotá. 
Octubre 15 del 2012.

miércoles, agosto 22, 2012

Vistazo Crítico 109: MATRIMONIO Cultural: ¿la pesadilla del PATRIMONIO histórico?



MATRIMONIO Cultural: ¿la pesadilla del PATRIMONIO histórico?
El caso del Teatro Colón.


Cuando la cultura se confunde con un negocio (llamémosla industria cultural), cuando la historia no le importa a los que administran la cultura, el resultado es lo que denuncia Juan Luis Rodríguez en su columna. Solamente una acción popular podría frenar esto, pero ¿realmente a la gente, al común de la gente le interesa el Teatro Colón como para emprender una acción popular?  


Lo que sí sería interesante es analizar como en un claro interés por "revivir nuestro pasado glorioso" esta administración decide restaurar algunos bienes patrimoniales muy específicos de la época de la Regeneración del siglo XIX. Habrá que ver cuál es el interés de esto, pero este no es el espacio para analizarlo. ¿Núñez estaría contento con este proyecto, no solamente porque su casa ha sido restaurada sino también el elitista Teatro Colón? Quién sabe, a lo mejor estaría furioso.

Teatro Colón con el Telón de Anibal Gatti.


Anécdota al margen, Rafael Núñez se puso furioso cuando Anibal Gatti pintor florentino intentó plasmar en el telón algunos personajes populares (en su mayoría campesinos e indígenas) que admiraban unas figuras propias de la historia de la Opera. Los personajes desaparecieron del telón y se impuso figuras de "mejor gusto" muy acorde con el proyecto civilizatorio que pretendía educar a estos "bárbaros" de la naciente nación colombiana a través de la cultura, de élite por cierto: ese era el sueño de Rafael Núñez. 


Pero bueno nosotros tenemos la historia que nos merecemos. En un país como Francia, la Opera Garnier se conserva tal cual, y jamás se ha pensado en demoler sus alrededores para ampliarla, por obvias razones pues fue bien concebida desde sus inicios. En 1989, se construye la nueva Opera de la Bastilla de Carlos Ott, que sin duda implicó varias demoliciones de las edificaciones del barrio de Bastilla. Hoy ese espacio es muy visitado y nadie se acuerda de las casas que si bien eran “bellas” ya no servían para mayor cosa.


Biblioteca Luis Angel Arango en el barrio histórico de la Candelaria.


Cuando se construyó la Biblioteca Luis Ángel Arango y su posterior ampliación que toma toda una manzana, o cuando se construyó el Centro Gabriel García Márquez (uno de los últimos proyectos de Rogelio Salmona) en el Barrio la Candelaria a nadie pareció importarle y hoy varios de nosotros disfrutamos de esos espacios que son lugares públicos. En el lugar donde queda el centro cultural mexicano consagrado a nuestro premio nobel, creo que quedaba el convento de la Enseñanza, y luego la antigua Escuela Nacional de Bellas Artes. Ahí ya no hay monjas y tampoco aprendices de artistas con los modelos caducos europeos. Ahora, más allá de disfrutar visualmente las casas que ahí estaban, nadie o muy pocos podían entrar allí.



Centro Gabriel García Márquez siglo XXI y Convento de la Enseñanza siglo XIX.

Dejando de lado mi espíritu conservador que por cierto duerme en lo más profundo de mí, podemos pensar que si el nuevo proyecto del Teatro Colón, sirve para sacarlo de su carácter elitista y hacerlo funcionar mejor hacia un público cada vez más amplio, yo le apostaría sin temor a ese proyecto y a una ciudad menos fachada que es heredera de un pasado glorioso cierto, pero que está lejos, muy lejos de las funciones reales de toda ciudad contemporánea. Esas casas de la calle 11 con cra 5ª, así sean como de carta postal, no cumplen una real función, sino la de recordarnos ese pasado glorioso. La ciudad de Rafael Nuñez y su proyecto civilizatorio no va acorde a nuestra realidad social y mucho menos después de haber reformado su constitución que rigió poco más de un siglo. La arquitectura creo yo, es reflejo de una época y de la sociedad en la que estamos inmersos. Y hasta donde sé no se trata de demoler el Colón sino ampliarlo, aunque ello implique la demolición de algunas casas. Sería bueno conocer el proyecto para tener elementos de juicio.


Teatro Maldonado, 1840.

Y bueno para que el Colón sea el Teatro Colón sin duda hubo que demoler unas cuantas casas coloniales y republicanas: del teatro Coliseo Ramírez construido en 1772 por Don Tomás Ramírez y Dionisio del Villar y el posterior Teatro Maldonado construido en 1871, surge el teatro Cristobal Colón en los terrenos expropiados por Nuñez luego de la decadencia de este teatro a causa de la guerra civil que el propio Nuñez puso en marcha. 


Ahora bien, no solamente hay que agrandar el teatro, sino también cambiarle de nombre: como Bogotá que ya no se llama Santa Fe de Bogotá recordando ese pasado inquisitorio colonial,  el teatro debería llevar el nombre de Lucho Bermúdez o Toto la Momposina. Bueno esto si es una herejía que ni la Ministra de Cultura ni la Secretaria de Cultura del Distrito aceptarían; mejor no digo nada más, he ido demasiado lejos.

Ricardo Arcos-Palma.
Bogotá 21 de agosto del 2012.

Vistazo Crítico 145: John Nomesqui: naturaleza, tejidos y reciclaje.

JOHN NOMESQUI: NATURALEZA: TEJIDOS Y RECICLAJE.   En estos tiempos hablar de Arte y Naturaleza se ha convertido en un lugar común...