jueves, marzo 20, 2014

Vistazo Crítico 123: ALETHEIA Des-ocultamientos de Jaime Franco


ALETHEIA Des-ocultamientos

Jaime Franco, ha sido conocido nacional e internacionalmente, hace ya varios años por su trabajo pictórico que desde sus inicios se vio inspirado en el Expresionismo Abstracto norteamericano. Hoy su trabajo, cada vez más rico en referencias históricas, particularmente las del Renacimiento (como los dibujos de Leonardo Da Vinci para La Divina Proporción de Luca Paccioli), se enriquece explorando otros medios de expresión tales como el dibujo, la fotografía y en particular la pintura in-situ que se hace y se deshace en una gran pared, generando así formas nuevas e insistiendo, por un lado, en el paso ineludible del tiempo y por otro, creando una especie de arqueología de la imagen, donde memoria y actualidad se conjugan armoniosamente.

El principio mismo de esta pintura in situ es el des-ocultamiento y se realiza en la pared con barro que el artista escoge de varios lugares del país como en las cercanías de Barichara, donde el color de la tierra es muy especial y difícil de encontrar en otra parte. Figuras arquitecturales que nos recuerdan de una u otra manera construcciones históricas, se realizan en la pared y, luego se borran con ayuda del agua, dejando una huella que se amalgama con otras formas similares. Esta superposición de imágenes abre un espectro amplio de tonalidades que permiten velar y develar, algo muy cercano al misterio y el enigma. Esto mismo es en esencia Alétheia: develar algo pero mediante el ocultamiento, “como una mariposa cuando bate sus alas”, dice Franco cuando le pido explicación de su obra. Este develar, ocultando y des-ocultando, deja al final del proceso toda una obra-huella, insistiendo en que el tiempo es también memoria y no solamente fuga.

En conversaciones con Jaime Franco, él insiste en que su trabajo tiene algo propio del trabajo arquitectónico: no solamente por las referencias formales sino también en su ejecución. El artista nos dice lo siguiente:

"Hay un concepto que ha estado presente en la conceptualización de mi trabajo y que tiene más antecedentes en la Arquitectura. El término es Brutalismo y tiene que ver con develar los elementos y materiales con los que se construye. No ocultar. Este término viene del francés “betón brut” que significa concreto bruto o cemento armado. En algo tiene que ver con el color gris de mis pinturas, pero va más allá. La imágenes de la arquitectura brutalista son contundentes, absolutas, de una geometría irregular pero definitiva."

Al dejar al descubierto el proceso mismo de la obra, el artista le asigna a la obra un valor adicional que va más allá del acabamiento, de la terminación y de la finalización de una obra. En este sentido, la obra de Franco estaría en perfecta resonancia con la “Teoría de la formatividad” enunciada por Luigi Pareyson, quien insistía que la obra de arte tiene algo donde la forma continuaba a formarse más allá de la decisión del artista; teoría que Umberto Eco aplicaría para su famosa “Obra abierta”. Al develar ese proceso en ese “brutalismo”, el artista no hace sino insistir en dejar al descubierto el andamiaje de sus imágenes que a su vez se enriquecen mostrando en el mismo instante el antes y el después.

En este sentido, la obra de Franco es una excelente reflexión plástica que ahonda en un universo donde arte y ciencia siguen dialogando en una especie de anacronismo a la manera en que lo concibe Didi-Huberman, donde el pasado -la memoria-, se relaciona con un presente. El espectador y visitante de la Galería El Museo se encontrará con una serie de obras: una efímera realizada in-situ, que se asemeja a las elaboradas en otros espacios y en su taller, las cuales dan cuenta de este proceso gracias a la fotografía y algunas pinturas que crean un puente con su producción anterior. Alétheia entonces, es esa verdad que salta a la vista, que no debe permanecer oculta, que se devela y revela constantemente como una enigma. Pero ¿de qué verdad se trata? ¿dónde se devela tal verdad? En nuestro mundo, de donde el artista extrae el barro con que elabora sus obras, y que recuerda la labor de aquél que saca de lo más profundo de la tierra la materia para reinventarlo, casi alquímicamente. Hay un elemento “primario”, la tierra, que mezclada con agua deviene materia y forma para construir y materializar tal verdad. El “hacer evidente” (Heidegger), esa insistencia en la esencia de las cosas, es, no solamente el procedimiento técnico de la obra de Franco, sino el andamiaje que le permite ser soporte de su búsqueda plástica, la cual sin duda el visitante de la exposición podrá disfrutar en una experiencia estética poco común.


Ricardo Arcos-Palma
Bogotá Marzo del 2014.

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martes, marzo 04, 2014

Vistazo Crítico 122: No valemos nada, de Fernando Pertuz.



NO VALEMOS NADA.
Intervención urbana de Fernando Pertuz con Dignidad Papera. 

Durante el mes de agosto del 2013, Colombia se vio afectada por un Paro Agrario, que el presidente Juan Manuel Santos, pretendió minimizar, diciendo "aquí no hay paro". El país se paralizó en grande y los campensionos cultivadores, que se han visto afectados por el Tratado de Libre Comercio (TLC) con los Estados Unidos, salieron a las calles y bloqueron las principales vias de circulación vehicular. Su producción agrícola era tirada al suelo en protesta de los bajos precios que estaban recibiendo a cambio y la no ayuda de parte Estado. 

Fernando Pertuz quien hace parte de la generación de los noventas que he denominado los Otros Realistas en mi investigación (Arte y Política en Colombia 1990-2010), se ha carectizado por hacer obra a partir de una crítica social y en pro de ciertos moviemientos sociales. Recordemos su obra "Somos Estrellas" (2009) nominada al 5o Premio Luis Caballero. En ella el artista recogía a ciertos personajes anónimos y los equiparaba a estrellas, haciéndolos visibles en una clara idea de la redistribución de lo sensible y dándoles la palabra (Rancière). Esa obra, que se acercaba a una cierta idea de la multitud (Negri), donde la masa se convierte en un mecanismo de presión y protesta, Fernando Pertuz quien en varias ocasiones me ha insistido que no es un artista sino un activista, lograba anudar arte y política de una manera crítica y contundente. 

En noviembre del año pasado, él decide realizar en Tunja con apoyo a del Teatro Experimental de Boyacá y con el colectivo Dignidad Papera (quienes han liderado el movimiento de defensa de los derechos de los cultivadores de papa), la acción "No valemos nada". Esta acción consistió en depositar a lo largo y ancho de la Plaza de Bolívar varios bultos de papa cargados por varios coteros o cargadores de bultos. Al lado de cada bulto, se depositaba un costal vacío rojo. Un campensino se situaba a lado de este costal y luego metía sus piernas en el costal rojo. La relación entre cuerpo y alimento (papa) se establece de una manera muy sencilla y directa.  

César Pachón, vocero de Dignidad Papera.

Mientras la acción se desarrollaba, se le da la voz a varios cultivadores y a los voceros de Dignidad Papera quienes insistían, sobre el abuso del mercado y el olvido del Estado frente a este sector vulnerado por una competencia comercial desigual. Al final, se invitaba a los asistentes a llevarse la papa a sus casas. De esa colecta participaban adultos y niños incluso los agentes del orden público quienes estaban en el La Plaza de Bolívar de Tunja.

"No valemos nada" insiste sobre una plusvalía simbólica, que viene matizada por el desinterés e indiferencia del capital frente al ser humano. Ya Pierre Klossowski, nos había insistido sobre la idea de "La moneda viviente", donde el ser humano es comparado a un valor de cambio. El cuerpo al igual que el alimento en este caso preciso, no se le asigna, ni siquiera un valor digno. 

El cuerpo, en este caso el del cultivador, el del trabajador de la tierra, el cuerpo colectivo deviene un lugar donde se manifiesta el conflicto político. Meses atrás a esta acción, esos mismos cuerpos se enfrentaban a las fuerzas del orden y al ESMAD (escuadrón móvil anti disturbios), en desigualdad evidente. En esta acción el conflicto está latente, la palabra pronunciada y amplificada con la ayuda de megafonos, hacía cuerpo con el de los trabajadores de la tierra. 

La acción de Pertuz opurtuna y contundente, logra abrir un terreno de reflexión no solamente sobre el papel de artista en una sociedad como la nuestra donde la desigualdad y la injusticia social son enormes, sino también sobre el objetivo del arte crítico y político que no necesariamente se equipara al objeto de consumo suntuario en el que han caído la mayoría de obras de los artistas políticamente correctos en nuestro medio. La relación al alimento tratada en otra obras anteriores de Pertuz como "El Dorado" (2012) donde el activista realiza lingotes de café, tierra y chocolate, nos muestra como el asunto la soberanía alimenticia es aquí problematizado frente a las grandes multinaciones que someten a pueblos entero al consumo de comida chatarra (Monsanto) y por otra parte logran asfixiar a los paises agrícolas con la imposició de semillas transgénicas. 

En este sentido Pertuz coincide con Eduardo Molinari quien con su obra "Los hijos de la Soja" (2010) denuncia a su manera el uso de los transgénicos en Argentina con el impacto social y salud pública que trae consigo. Minerva Cuevas también a su manera había denunciado y realizado algunas acciones en su momento con su proyecto "Mejor Vida Corp" (1998-), señalando los peligros de la sociedad del consumo y su insidencia en el confort y la salud humana (Montsanto en la mira una vez más).


 

Al igual que en el siglo XIX, donde la Realidad abriá los ojos, la obra de arte logra mostrarnos de manera crítrica lo que sucede a nuestro alrededor, pues los medios de comunicación, anestesian y enceguesen impidiendo comprender y generar opinión sobre lo que acontece. Si Van Gogh con sus obras de 1885 ya nos mostraba esta dificil situación de los cultivadores de papa y Millet con su famoso Angelus (1857-8159), nos hacía ver como los campesinos aún muy creyentes en Dios, daban gracias al final de día por su recolta de papas, aunque paupérrima. Lo que era actualidad ayer lo es hoy. Las condiciones sociales no han cambiado demasiado y el arte político como el desarrollado desde hace años por Fernando Pertuz, logran mostrarnos de manera crítica las tensiones sociales de nuestro tiempo. 

Resta invitarlos al Espacio académico Seminario Cuerpo, Arte, Ciudadanía y Poder, que coordinan mis colegas de la Maestría en Estudios Artísticos de la Facultad de Artes ASAB de la Universidad Distrital Francisco José de Caldas, donde se presentará el historiador Álvaro Medina con su charla "Arte y Conflictos Sociales" y el activista Fernando Pertuz con su charla "Marchar la palabra". El encuentro se llevará a cabo el miércoles 5 de marzo del 2014 a partir de las 5:00 p.m. en la Sala de profesores de la Facultad de Artes ASAB (Cra. 13 # 14-69).  

Ricardo Arcos-Palma
Bogotá 4 de marzo del 2014.


Pertuz nominado al 5o premio Luis Caballero ArtNexus.

Somos Estrellas. Vistazos Críticos.

Eduardo Molinari: Los hijos de la Soja:

Minerva Cuevas:

Fernando Pertuz:





Vistazo Crítico 144: Estefanía García Pineda y Cerro Matoso.

LATITUD CERRO MATOSO Hacia una geografía corporal del conflicto " Yo viajo para conocer mi propia geografía ".  P...