Vistazo Crítico 110: Encuentro Internacional de Arte Performance RIAP 2012.

Rencontre Internationale d’Art Performance

 RIAP 2012 de Québec.

Le RIAP evento existe desde hace unos treinta años y es liderado por el grupo de la Revue Inter Art Actuel y Le Lieu, centro de arte contemporáneo independiente. En él han confluido artistas como Marina Abramovich y ORLAN entre otros destacados de la historia del performance. Esta versión, está liderada por uno de los fundadores Richard Martel artista del arte acción de Québec y un equipo curatorial conformado por Clemente Padín, Michaël La Chance y Constanza Camelo.

Colectivo Plotes: Maude Veilleux, Geneviève Robitaille y Marie-Andrée Godin.

Colectivo Plotes: Marie-Andrée Godin y Geneviève Robitaille. Fotos: Francis O'Shaughnessy.

Por Quebec el Colectivo PLOTES, conformado por Marie-Andrée Godin, Maude Veilleux y Geneviève Robitaille, realizaron una acción que se inscribe dentro una corriente feminista. Varios gestos que aluden al juego se realizan con cierta dificultad al estar las tres integrantes del colectivo, atadas por unas cuerdas. De otra parte Christian Messier, Sarah Smith y Guillaume Adjutor-Provost fueron los más relevantes dentro de las acciones individuales. El primero realizó una serie de acciones con fuego, donde intentó prender fuego a su camisa con la ayuda de un encendedor mientras la luz del reciento estaba apagada. La tensión entre el público y aquél que aparecía esporádicamente gracias a la luz del encendedor, generaba una extraña contradicción donde el deseo de ver, se ve reprimido por el temor a ver quemarse el cuerpo. Una obra que bien podría resumirse por el deseo de ver y el temor a ver.

 Sarah Smith

La joven Sarah Smith realiza una sutil pero contundente acción, donde la condición femenina se ve cuestionada por al figura de la novia: ella vestida de pantalón rojo se pone unos zapatos de tacón y un velo de novia… sostiene en sus manos estiradas a manera de cruz, unas bolsas de tela muy pesadas llena de harina o cal blanca.  Luego ella se amordaza las piernas creando una extraña postura y comienza a caminar de esa manera atravesando la plaza pública donde realizaba la acción. Esta obra más allá de ser bella es contundente por la fuerza física que despliega y las tensiones que genera en el público. Pero hasta aquí es una interpretación mía; hablando con ella, ella afirma que mi interpretación es válida e insiste en lo siguiente:

"Durante este performance, je deseaba estar en confrontación a una posición que hacía mi desplazamiento difícil cuando yo atravesaba la plaza. Cuando yo llegué a un estrado, yo me liberé destruyendo el peso, que yo había tirado de manera violenta, creando una nube de polvo blanco. Mi interés radica sobre todo en la imagen de un performance. Yo trabajo ante todo la composición de las formas, el movimiento, y los objetos en el performance, antes de atribuirles una significación"

Guillaume Adjutor-Provost.

Guillaume Adjutor-Provost,  vestido impecablemente de negro, transforma su cuerpo en una especie de autómata: pegando sobre cuerpo una serie de cuadros negros de diferentes tamaños, este se transforma en una silueta-protésica que insiste en una cierta plasticidad algo rara en este tipo de acciones plásticas. Su cuerpo se transforma en una especie de coraza similar a la que utilizan los expertos en anti-explosivos.

Julia Fernández Sánchez "Castración".

Por España están Julia Isabel Fernández Sánchez, quien realizó una acción en el espacio público nocturno, titulada “Castración”, está vestida completamente de negro hasta su rostro y armada de un cuchillo. Dos naranjas exageraban las formas de su cuerpo: una dispuesta a la altura de su sexo y otra sobre uno de sus senos. Ella ofrecía una rodaja  de su sexo-naranja cortada con el chuchillo que algunos comían. La referencia a uno de los símbolos culturales y comerciales de España, la naranja, es detonante de una reflexión sobre la situación política y económica; la postura feminista es bastante fuerte.

Julia Fernández. Castración. Foto: Mariana Picart Motuzas. 

La artista se refiere a su acción en estos términos: “El individuo social desde que nace, es modelado mediante la educación (normas sociales). Todo "ser social", debe actuar siguiendo unos patrones de comportamiento, estos son determinados y aceptados por un núcleo social, ubicado en un tiempo y espacio concreto. Pretendo denunciar la castración amable que se lleva a cabo en cada individuo en función de , por y para "lo social" (sociedad), tanto a nivel intelectual, emocional y visceral. Son tres las naranjas que utilizo en mi acción. Colocada en la cabeza, sobre corazón y pubis. Me gusta interactuar con la participación de la gente. Me gusta hacer trabajos en los que el público no sea un mero espectador, la pieza sin ellos no se completa ni tiene sentido. Todos formamos parte de pieza y le damos forma.”

Ángela García. Fotos: Francis O'Shaughnessy.

Ángela García, vestida como una oficinista realizó una performance donde el leguaje y la comida son su esencia: la artista sentada frente a una mesa servida, devora una sopa de letras cruda, tratando de hablar con la boca llena. Ella escribe en un muro el significado de la palabra “Voltear” y con una serie de platos de cerámica que comienza a hacer girar sobre el suelo hasta que se rompen entre sí, haciendo participar a los asistentes. Esta acción también va encaminada a cuestionar la situación y premura económica de su país.

Los Torreznos. Fotos: Francis O'Shaughnessy.

Los Torreznos, es una pareja de artistas de gran recorrido internacional (Jaime Vallaure y Rafael Lamata) que vienen trabajando desde hace años; ellos en una perfecta puesta en escena se sentaban uno al lado del otro, vestidos impecablemente y, como si estuviesen realizando una competencia de automóviles simulan el sonido de motores con sus bocas mientras avanzan poco a poco hacia el público y luego retroceden hasta quitar la escena.

Álvaro Terrones. Just One Little Girl - The Four Aces. Francis O'Shaughnessy.

Álvaro Terrones, con humor realiza una acción donde se dirige con bastante sigilo a una silla roja que se encuentra frente a él y donde reposa un pequeño pastel. Simula una corona realizada con una reglilla plegable que pone sobre su cabeza; luego camina lentamente y un pito de juguete en sus zapatos lo delata. Al final, cuando se acerca a la silla, un jugoso bocado deja el pastel a medio devorar y vuelve de nuevo a la pared. El título de la acción es Just One Little Girl - The Four Aces. “La idea de la acción –nos dice el artista-, se basa en la medición y el factor de impacto (medida de la importancia de publicaciones de contenido científico) El proceso desemboca en un objetivo focalizado (tarta) y en su robo. El tránsito hacia dicho objetivo es tremendamente imprevisible y sin credibilidad alguna (el caminar hacia el objetivo es ruidoso, torpe y escandaloso). Se trata de una acción cuyo proceso es más interesante que la motivación del objetivo alcanzado.”

Héctor Bardanca. 

La selección de Uruguay fue representada por Héctor Bardanca, quien influenciado fuertemente por la poesía sonora, realiza una acción en diferentes niveles que confronta la razón y la sinrazón. Su acción deviene rápidamente un happening donde el público participa instando por el artista y la proyección-vídeo es un elemento plástico fundamental. Él escribe en el suelo algunas letras con tierra y harina y luego utiliza algunos asistentes para que con sus cuerpos escriban otra letra.

Jesusa Delbardo. Foto: Francis O'Shaughnessy.

Jesusa Delbardo realizó una performance con vídeo, donde vemos una silla blanca de madera, perforada por la artista con un taladro. Invitando al público a enunciar cualquier frase la artista repetía la frase perforando la silla. Debajo de la silla, de una manera muy discreta había una replica en menor escala e igualmente pintada de blanco. La acción termina con la silla, atada a su cuerpo saliendo de la escena. En la pantalla encontramos la réplica en pequeña escala de la silla con los restos de aserrín.

Jesusa Delbardo. Foto: Francis O'Shaughnessy.

La artista dice lo siguiente sobre su obra: “Mi trabajo es un laboratorio. El que quiere saber hasta donde puedo decir la verdad; es un entrenamiento PERSONAL hacia la sinceridad, apoyado también en la investigación de qué está pensando la gente y cuales son las cosas que dicen y se permiten decir EN ESE LUGAR ESPECíFICO ( Quebec); hasta donde están dispuestos a decir su verdad y hasta cuando van a seleccionar lo que un otro (todos) escuchen, dejando al descubierto una posible interpretación de quienes son. Animarse a decir y también a ser escuchado, tener el momento público en donde uno se deja casi sin filtro, sin paisaje intermedio entre lo pensado (ése era el plan para mi), y el sonido que esas palabras evocan en el otro. SONIDO: cada vez que se presenta un pensamiento, se hace un agujero con un taladro en una silla. Blanca, inmaculada, se repite la palabra por todo el rato que el taladro demora en agujerear esta silla. Silla que hace de sombra y de protección de una idéntica, pero más pequeña. Pero esta protección, tiene un costo, y el costo es dejar el polvillo que de esos pensamientos, de esa acción y de ese sonido se desprenden en la pequeña sillita, posible holograma a menor escala de la misma silla grande, que deja planteada la repercusión en otras dimensiones de la misma acción. (…) Los rastros de aserrín son quienes ahora hablan, ellos y todo lo que allí quedó material e inmaterial.”

Juan 'Angel Italiano. "Memorial". Foto: Arcos-Palma.

Juan Ángel Italiano, insiste en rescatar la memoria histórica sobre la época de la dictadura en su país y por supuesto en el cono sur, en la década de los años setenta y ochenta. Fotos de desaparecidos, proyección de esos rostros, frases como “dónde están ellos” que el artista pega en las frentes de algunos asistentes y un mapa del continente realizado con graffitti donde él pega palabras que aluden a la libertad, la igualdad y la fraternidad. Velas, carros y soldados de juguetes acentúan un cierto dramatismo a la acción. Su obra indudablemente insiste en la relación arte y política.

“En "Memorial" –nos dice el artista-, se busca que el espectador se cuestione y replantee la noción de "desaparición forzada" Sin palabras, a través de pequeñas acciones, la ausencia del cuerpo del otro y el respeto por el mismo, son el eje de la performance. Más que una teatralización, la acción se acerca al ritual, la memoria como herramienta viva. La información contrapuesta al espectáculo.”

Mariana Picart Motuzas. Foto: Arcos-Palma.

Finalmente Mariana Picart Motuzas, quien desde una perspectiva de la anti-psiquiatría, realiza un acción donde el cuerpo desnudado y el lenguaje se ven confrontado a la “creencia”: “¿tu crees?, ¿yo creo?, ¿ustedes  creen?” son frases que la artista repite una y otra vez y donde el público termina respondiendo afirmativa o negativamente. Rapidamente su acción individual se torna un happening.  

Colectivo Alias Black Marquet. Foto: Francis O'Shaughnessy.

Por Francia el colectivo femenino Alias Black Marquet (Marie-Laurence Hocrelle, Lucie Marcadel y Léa Le Bricomte) que parodian el grupo que tiene este nombre realizan una performance donde la feminidad se ve confrontada a objetos de la vida cotidiana: una de ellas Léa Le Bricomte, hace equilibrio sobre vasos llenos de agua calzada de zapatos con tacones mientras Lucie Mercadal “dialoga” difícilmente con un colchón que mueve de un lado al otro de la sala o toma una escoba para barrer.

Nadia Granados: Foto: Arcos-Palma.

Por Colombia, país invitado de honor Nadia Granados representante del porno-terrorismo en América Latina; en su trabajo la condición crítica sobre el cuerpo femenino como objeto de consumo, lograr mezclar imágenes publicitarias de tinte político, música y gestos propios del mundo de la prostitución donde arte, política y ética son la esencia de su propuesta. “La Fulminante” se apoya en proyecciones vídeo que mezclan se promiscuamente con su cuerpo, donde vemos frases como “la bella rebelión”. Activismo político, pornografía y accionismo logran crear una obra que genera atracción y rechazo al mismo tiempo.

Fernando Pertuz Villa, quien es uno de los máximos representantes de lo que he llamado “la generación de los noventa” y quien lidera un movimiento llamado Performance Art Net, realiza una acción titulada “250 mil seres humanos”, donde la lectura de miles de nombres de personajes desaparecidos por muertes violentas. La lista de estos nombres son quemados por la llama de una vela y sus cenizas depositados en una urna de cristal. La acción se transmite en directo por la red y tiene una duración de 8 horas diarias. Esta obra se inscribe dentro de una línea muy clara para el artista de activismo político. Los nombre proferidos han sido nombrados una y otra vez en otras acciones como Bandera. Pertuz es uno de esos artistas que logra seguir trabajando sobre la difícil articulación entre arte y política.

Fernando Pertuz. 250 mil seres humanos. Foto: Arcos-Palma

Rosemberg Sandoval, presentó un par de acciones que hacen referencia al desplazamiento violento y a la guerra: con unas botas pertenecientes a un soldado canadiense muerto en la Guerra del Golfo, el artista escribe sobre la pared una frase de Tiro Fijo en lodo que alude al conflicto armado en Colombia. Sus acciones que fueron muy rápidas, se antecedieron a un explicación que él hizo. De una falsa pared de madera: el artista con un golpe abre una pequeña puerta que deja salir su puño que contiene una delicada construcción que contiene una casa realizada con granos de arroz. La casa de destruye con fuerza al cerrarse de nuevo la mano sobre ella. La metáfora de la violencia aquí es muy fuerte. Esta acción pasó algo desapercibida dado a que el artista no hubo un dispositivo que transmitiera la acción en gran formato pues la casita de arroz no todos podía verla. Esto le quitó algo de fuerza al trabajo del artista, quien goza de una gran reputación internacional.

Rosemberg Sandoval: Foto: Arcos-Palma.

Carlos Monroy. Foto: Arcos-Palma.

Carlos Monroy quien realiza tres cortas acciones donde la reflexión sobre lo que significa el arribismo y la notoriedad; él asume la condición de un atleta, de un chippendale donde éxito, exhibicionismo y fama, se mezclan insistiendo sobre la condición del artista. Un punto débil en su obra fue el exceso de presencia en todas las acciones plásticas, donde ya no se distinguía donde comenzaba su obra o donde terminaba.

Edwin Miguel Jimeno. Propiedad de Estado.

Edwin Miguel Jimeno, quien no pudo asistir pues el servicio migratorio canadiense le negó la visa, desconociendo que el artista es docente de una prestigiosa universidad pública en Colombia y apoyado en el cliché que Santa Marta-Colombia es considerada zona sensible; él envío un par de videos de sus acciones anteriores, donde por ejemplo el artista se hace marcar por un soldado, la espalda con hierro candente una frase que dice “Propiedad del estado”. Esta obra es bastante fuerte teniendo en cuenta que un país un guerra como el nuestro y donde el servicio militar es obligatorio, la propiedad sobre los ciudadanos y sus cuerpos hacen de ellos: carne de cañón. No quisiera pensar que fue por este tipo de obras que su visa fue negada, pero todo es posible.

El encuentro teórico realizó un diagnóstico del performance: Juan Ángel Italiano artista participante habló del “Performance y arte acción en Uruguay: 1961-1985”; Mariana Picart Motuzas presentó su investigación sobre “Arte acción: Problemas éticos, estéticos y socio-políticos”; sus intervenciones se pueden escuchar aquí; y el invitado de honor, quien escribe sobre este evento, habló sobre: “Dos décadas de performance en Colombia: 1990-2010”, situación del arte acción en Colombia que se puede escuchar aquí

versión resumida publicada en el Periódico ARTERIA : 
http://www.periodicoarteria.com/descargas/pdfs_periodicos/Arteria35.pdf 

versión vídeo por Camera Libre:

Ricardo Arcos-Palma.

Québec, La Paz, Bogotá. 

Octubre 15 del 2012.